La historia y el arte siempre han tenido una influencia y correlación directa con la arquitectura. Desde la elaboración del movimiento barroco hasta el marco geométrico del modernismo, los arquitectos se inspiraron en enfoques, técnicas y conceptos estilísticos de los movimientos artísticos históricos y los tradujeron en estructuras habitables a gran escala. En este artículo, exploramos 5 de los muchos movimientos artísticos que allanaron el camino para la arquitectura moderna, analizando cómo los arquitectos tomaron prestado de sus características y enfoques de diseño para crear sus propias composiciones arquitectónicas.
En esta nota, veremos 5 movimientos artísticos que han influido directamente en momentos de la historia de la arquitectura:
Dadaismo
Considerado como un movimiento artístico “rebelde y revolucionario” a principios del siglo XX, se dice que el arte dadaísta se creó por primera vez en un club nocturno artístico en Zúrich, Suiza, llamado “Cabaret Voltaire” después de que muchos creativos opuestos a la guerra buscaran refugio en el país. El movimiento ganó impulso de 1916 a 1924 principalmente en Suiza, París y Nueva York, y contó con obras de artistas notables como Hugo Ball (el fundador del movimiento), Marcel Duchamp, Hans Arp y Sophie Taeuber-Arp, por nombrar algunos. Los artistas de vanguardia radical querían ridiculizar la guerra y la cultura capitalista, por lo que recurrieron a conceptos irracionales del arte que mostraban el humor, cuestionando la autoridad y la realidad a través de un enfoque “antiarte”.
De Stijl
“Hablamos de pintura concreta y no abstracta porque nada es más concreto, más real que un color, una línea y una superficie” – Son las palabras de Theo van Doesburg. En 1917, el movimiento De Stijl con sede en los Países Bajos, dirigido por los pintores Theo van Doesburg y Piet Mondrian, quiso resaltar la fusión ideal de forma y función. Al igual que el dadaísmo, el movimiento también fue una respuesta al caos de la Primera Guerra Mundial, por lo que crearon un lenguaje visual que consiste en formas geométricas refinadas (a menudo rectángulos, cuadrados y líneas rectas) con colores primarios.
Muchos creen que el movimiento y sus principios también se opusieron al estruendo visual del Art Deco y encontraron una inspiración indirecta en el cubismo. La influencia de De Stijl en el campo de la arquitectura ayudó a inspirar el lanzamiento del Estilo Internacional de las décadas de 1920 y 1930, también conocido como Modernismo.
El uso de formas y colores esenciales de De Stijl con elementos horizontales y verticales simples, como se ve en proyectos como la Casa Rietveld Schroder de Gerrit Rietveld y Café l’Aubette de Theo van Doesburg, permitió la flexibilidad y la transformación del espacio, lo que significa que no había disposiciones jerárquicas de habitaciones de planos en planta, solo planos independientes que componen espacios en función del programa y las necesidades del usuario. De hecho, la composición estructural de la Casa Schroder ha sido objeto de estudio de muchos arquitectos, artistas e historiadores.
Arte Pop
El Arte Pop introdujo un enfoque completamente nuevo del diseño, inspirándose en los medios, la producción en masa y la cultura pop. El movimiento apareció por primera vez en el Reino Unido en la década de 1950, cuando las condiciones económicas y sociales posteriores a la Segunda Guerra Mundial llevaron a los artistas a celebrar objetos cotidianos y mundanos para transformarlos en bellas artes.
Muy pronto, artistas estadounidenses como Andy Warhol y Roy Lichtenstein se unieron al movimiento y se convirtieron en pioneros, reemplazando el arte histórico con otro visualmente vibrante producido en masa y orientado a los medios. En cuanto a la arquitectura, el movimiento inspiró a los arquitectos a liberarse de la linealidad y modestia del modernismo para optar por estructuras que desafían lo que se consideraba “normal” en ese entonces.
Al igual que el enfoque en el arte, la producción en masa y el comercialismo ocuparon un lugar destacado en la arquitectura, impulsando el uso de la tecnología, el señalismo y el consumo masivo. Las fachadas, los espacios interiores y los espacios públicos se convirtieron en lienzos de experimentación con la luz, el color, las formas irregulares y la escala poco convencional.
Surrealismo
Explicado por el nombre mismo, el surrealismo exploró el arte visual y la literatura como un medio para “revolucionar la experiencia humana” a través de imágenes no convencionales. Acuñado por el poeta vanguardista francés Guillaume Apollinaire entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, el arte surrealista se convirtió en un movimiento que promueve la liberación de la mente y la expresión del artista, creando lo que describen como realidades alternativas y exploración de la psique.
La técnica y las características surrealistas incluían escalas y perspectivas distorsionadas, materiales no convencionales así como composiciones y capas colectivas. Desde su ascenso a la popularidad, artistas como Salvador Dali y Frederick Kiesler han moldeado profundamente la arquitectura de los siglos XX y XXI. Ya sea a través de interiores que representan imágenes simbólicas literales, el uso de técnicas de trampantojo para crear ilusión, la icónica Endless House del arquitecto austriaco-estadounidense Frederick Kiesler o el Vitra Design Museum de Frank Gehry, el movimiento produjo conceptos radicales de lo que podría definirse como arquitectura.
